Para los memoriosos, la tarea de recordar una decena de películas de hace 50 años es sencilla porque la década del 70 fue -en ése y muchos otros sentidos relacionados todos con la cultura del espectáculo-, prodigiosa.
Quienes jóvenes y adolescentes vivimos esa experiencia en carne propia -la de comprar un diario para abrir la sección espectáculos con sus carteleras y horarios- la cosa era elegir, simplemente al azar, cualquiera de las películas de estreno. Incluso las muchas que todavía se repetían en ciclos inolvidables de la década anterior: todas eran buenas.
El tiempo lo fue modificando todo, y lo antiguo, para los tiempos que corren "lo hecho hasta ayer", se multiplicó en cassettes hogareños, y luego empezó a repetirse una y otra vez por cable casi en loop mientras Hollywood le encontraba algunas nuevas vueltas de tuerca al hábito de ver cine, dentro o fuera de casa y en formatos de pantallas pequeñas o grandes.
Ese cambio de lo que venía ocurriendo durante casi un siglo tuvo sus pro y contras porque no siempre la abundancia significa mayor calidad. No es necesario recurrir a la sociología para descubrir esto a simple vista.
Cambio de paradigma
Las grandes estructuras de producción, igual que las amplias salas de exhibición, comenzaron a reducirse mientras la cantidad de filmes crecía en virtud de la ansiedad de muchos por ponerse detrás de una cámara -o delante de ellas- como respuesta a la accesibilidad a ese tipo de productos económicos, muchos de ellos herederos del cine casero.
Así la abundancia tentó a las plataformas a generar más y más ganancias no precisamente por calidad sino precisamente por cantidad, con preocupación por un puñado de títulos y sobreabundancia de historias ya vistas o poco atractivas por su contenido argumental.
¿Cuál fue el resultado, fogoneado tanto por los productores como por un sector de la crítica, y público que comenzó a convertirse en refractario, aprovechando esa coyuntura, de aquellos grandes títulos que eran habituales en las carteleras de los diarios? La mitad de las elegidas de esta arbitraria selección son más industriales y la otra mitad tienen, además el sello de autores muy diversos respetados por todos, lo que no es poco.
El cine de la actualidad medio siglo después no ofrece una masa de productos tan sólida como la de aquellos tiempos prodigiosos, y da pie a que usando como excusa aniversarios redondos memoramos con nostalgia un puñado de esos títulos, que quizás hayamos visto o si no lo hicimos nos "suenan conocidos" porque alguien mayor alguna vez nos dijo algo, o alguien usa sus títulos para sintetizar una idea un hecho actual.
Papillon
A pesar de ser inocente de un crímen que le achacan, el ex navegante Henri Charrière, luego apodado Papillon (Mariposa) es condenado en Francia a reclusión perpetua y enviado a una colonia penitenciaria de la Guyana Francesa en el nordeste sudamericano.
En la nave que lo lleva y en el penal de Saint Laurent du Maroni cercano a la Isla del Diablo, se une con Louis Dega, otro recluso, con el que planeaba escaparse y dejar atrás las condiciones infrahumanas a las que someten a los que purgan sus condenas en ese lugar.
La trama, primero libro del mismo Charriere, y finalmente la película dirigida por Franklin J. Schaffner, ya conocido por filmes como "El planeta de los simios" y "Patton" y gracias a la carnadura de Steve McQueen y Dustin Hoffman aporta fuerza al relato original.
A través de una catarata de abusos, tanto el libro como la película sirvieron como denuncia del sistema penitenciario colonial francés donde las torturas físicas y psicológicas eran habituales, y donde un prisionero hará lo imposible por adaptarse primero y huir después. (Amazon Prime)
American Graffitti, locura de verano
La reconstrucción de una década atrás llegó de la mano del casi debutante George Lucas con los temas de Bill Halley y sus cometas, The Crests, The Teenagers, The Heartbeats, The Monotones, The Flamingos, Chuck Berry, Flash Cadillacs y Los Plateros pegó fuerte.
Es 1962 y la víspera del año nuevo cuando los adolescentes californianos de Modesto que terminaron sus estudios medios salen a festejarlo a lo grande porque comenzarán una nueva vida, con nuevas responsabilidades, la nostalgia del cineasta que con 29 años recuperaba su juventud.
Richard Dreyfyss, Ron Howard, Charles Martin Smith, Paul Le Mat, Candy Clark, Mckenzie Phillips, Cundt Willians, Harrison Ford, Wolfgang Jack, Bo Hoskins, Kathleen Wuinlan, Suzanne Siommers, Beau Gentry, Jim Bohan y Jan Bellan, son algunos de los jóvenes protagonistas. (Amazon Video - Apple ITunes)
El dormilón
Woody Allen encarna a Miles Monroe, un antihéroe que es congelado por error y despertado en 2174, contra su voluntad forzado a sumarse a una conspiración rebelde para derrocar a la dictadura que domina el planeta, y al querer fugarse se cruza Luna, una poetisa sin brillo.
Monroe se enamora de ella, no es casual porque se trata de Diane Keaton y apresado por las fuerzas del orden a cuyo sistema termina integrándose, luego de un proceso de reeducación termina persuadido de aceptar cumplir con la misión de
descubrir un proyecto secreto.
En todo este deambular por el futuro. Monroe descubrirá, entre muchas otras cosas, que existe una máquina para llegar al orgasmo (el orgasmatrón), y que se ha llegado a la conclusión de que el cigarrillo no era malo (MUBI)
El exorcista
Primero fue el libro de William Peter Blatty, un relato de terror con una niña que es poseída por un demonio y para solucionar esa contingencia inesperada, su madre recurrirá a un sacerdote y luego a un experto exorcista que deberá aceptar el desafío de quitárselo de encima.
La penumbra permanente, el huis clos en la habitación de la pequeña donde la cama literalmente llegaba a bailar la conga, la niebla en su interior, su aliento que uno imaginaba fétido, su cabeza -si- giratoria y los manotazos a los servidores de Dios se hicieron memorables.
Fue el director William Friedkin, amante del cine de Dario Argento, ya conocido por el thriller "Contacto en Francia", quien se propuso y logró conmocionar con el que sería, su único relato de terror, candidateado a diez Oscar, para el que convocó a cinco montajistas, al DF Owen Roizman... y al impar Max von Sydow.
El afiche ya era perturbador, con la silueta oscura de una casa y por delante un señor alto -el sacerdote- con sombrero y maletín a la espera de entrar, y el trailer era aún más inquietante, porque además de monumentos fálico-demoníacos, se veía a la nena descuajeringada, al mismo tiempo convulsionando y vomitando.
Es que así de sencilla es la trama: una niña, su madre actriz, un primer sacerdote asustado, un policía y finalmente el hombre dotado del poder de la fe con algunos recursos para iniciar un ritual que tendrá idas y venidas pero sobre todo eso un sinfín de golpes bajos estratégicos.
Estaba escrito que la Iglesia católica más ortodoxa reaccionaría al respecto, y así lo hizo, hasta que después de muchos tires y aflojes, que si se le hacen cortes, que esto, que aquello, que la pequeña blasfemando incluso con alusiones sexuales y obvio, los vómitos de gruesa sopa de arvejas.
Pero la cuestión era que todo el relato, incluso la banda de sonido de Mike Olfield con "Campanas tubulares", más allá de la adolescente Linda Blair, de su madre Ellen Burstyn, del detective Lee J. Cobb, y los sacerdotes Jason Miller y obvio Von Sydow, sabían meter miedo.
La sala del Opera se convirtió en un gran santuario donde cuentan, los influjos del mal irrumpieron la noche del estreno con un jarron de los que se lucían en sus falsos palcos cayendo y hecho añicos, un de un montón de mitos urbanos más, y asi resultó un taquillazo muy pero muy polémico. (Amazon Prime)
Luna de papel
En tiempos de la Gran Depresión en los Estados Unidos, el personaje interpretado por el joven Ryan O'Neal, que poco antes se había destacado en la serie "La caldera del diablo", es un vendedor de Biblias puerta a puerta, que viaja en su auto descapotado con una huérfana.
Pero si el hombre es en verdad un pillo, la pequeña rápidamente aprenderá sus mañas. trucos,trampas cazabobos e incluso perfeccionará nuevas para de esa forma juntar dinero, cada uno con sus metas, hasta que una serie de hechos los unirá tal como si fuesen padre e hija.
El plus del relato, rodado por el cinéfilo Peter Bogdanovich ya conocido por "¿Qué pasa, doctor?, esta vez en blanco y negro, con una impar selección de jazz de los 30 en el soundtrack, fue que para el papel de la niña convocó a Tatum O'Neal, en la vida real hija de Ryan con su colega y ya entonces ex esposa Joanna Moore.
El trabajo de ambos fue memorable,al punto que Tatum, la niña de 9 años debutante, se llevó el Globo de Oro como revelación, el Oscar como actriz de reparto, convirtiéndose así en la más joven en haberlo recibido, para también merecer el David de Donatello como actriz extranjera, de la Academia de Cine de Italia. (Paramount+)
El Golpe
Cuando en 1973 se estrenó "El golpe" en la Argentina, el país acababa de liberarse de una dictadura y por primera vez en varias décadas, se llegó a una votación sin proscripciones: la necesidad de evasión de una realidad en verdad tensa permitió que su estreno se convirtiera en un éxito con mayúsculas.
Dicen que el relato fue ofrecido por su joven autor, el guionista aspirante a director David S. Ward, al entonces ascendente Robert Redford, pero el actor sólo entusiasmado con aquella trama convocó a George Roy Hill, que ya lo había conducido, algunos años atrás con mano segura junto a Paul Newman en "Butch Cassidy".
Los argentinos sentimos que aquella historia de engaños tras engaños en el mundo de las apuestas, de unos con otros incluso del director con el público, parecía local: 23 años más tarde el debutante Fabián Bielinsky debutó en el largometraje con "Nueve Reinas", una suerte de homenaje bien porteño.
Una de las claves del film de Hill fue, sin dudas, la música de ragtime según los temas originales de Scott Joplin, que poco pegaban con la Nueva York de la década del 30, increiblemente reconstruida pero que sin embargo le dió el ritmo al todo ese clima de historieta que tiene el desarrollo.
No cabe ninguna duda de que "El golpe" es una propuesta donde arte e industria se juegan el todo por el todo, que además los planetas se enfilaron y eso es algo muy difícil de lograr, una singularidad que comenzó a darse cada vez con menos frecuencia, la de una joyita de esas que nunca pasan de moda. (Paramount+, Amazon Prime)
Amarcord
Si bien la producción es de 1973, la dificultosa distribución del cine europeo en la Argentina postergó su estreno a finales del año siguiente, cuando la sala del Opera se convirtió en un verdadero mundo de ensueños.
Federico Fellini juega con la memoria transfigurada con su singular estética y los temas de siempre, con las criaturas que como parte de un combo pictórico simbólico ya eran identificables con los primeros acordes.
Amarcord, el neologismo tomado de la zona de Emilia-Romagna, significa "me acuerdo" y eso es lo que hace el autor de "La Strada" y "La dolce Vita": recordar sucesos de la década del 30, los tiempos del Duce.
El guión de Fellini y Tonino Guerra viaja por un pueblo del norte de una primavera a la siguiente, con dos personajes -que hilvanan las historias entre sí, como la del transatlántico Gran Rex o la carrera de la Mille Miglia.
Los actores principales, Pupella Maggio, Magalí Noël y Ciccio Ingrassia se mezclan con otros de las mismos paisajes donde se rodaron los exteriores, muchos de ellos también en las escenas del Studio 5 de Cinecitta. (MUBI)
La gran comilona
Un piloto, Marcello, encarnado por Marcello Mastroianni, un CEO de televisión, Michel, en coincidencia Michel Piccoli, un cocinero según Ugo Tognazzi, y un juez, Philippe, también interpretado por el gran homónimo de apellido Noiret) arman una fiesta en la villa campestre del magistrado.
Los cuatro, de gran poder, convocan a prostitutas (que luego huyen)con la idea de comer y festejar desenfrenadamente hasta morir. Se trata de un suicidio colectivo como eje de una orgía de gastronómica y sexual, un hedonismo estilo bestias salvajes, y la transgresión hasta el final.
Este argumento del consagrado Rafael Azcona solo podría haber sido dirigido por Marco Ferreri, acostumbrado a desafiar la moral conservadora con sus anteriores "El pisito", "El cochecito", o la cuestionada por el Vaticano "La audiencia", prohibida largo tiempo en la Argentina.
"La comilona" como solía sintetizar la gente, estuvo varios años prohibida en la Argentina y fue una de las más perseguidas por el censor Miguel Paulino Tato, y puesta en una lista de muchas otras que no podían verse hasta que finalmente se liberó y ahora está en plataformas. (MUBI)
La noche americana
Sin lugar a dudas es el gran homenaje al cine que dirigió el nuevaolista Francois Truffaut, con mucha agua corrida por debajo de los puentes del Sena, desde sus comienzos como crítico de Cahiers du Cinema y su papel protagónico en la corriente que revolucionó al cine mundial.
Cine dentro del cine donde el título de "La noche americana" refiere a los rodajes que se hacen a la luz del amanecer simulando la del anochecer o la misma noche y en el que su director interpreta nada más ni nada menos que que a Ferrand el cineasta de la ficción, los últimos días de rodaje.
A lo largo de la historia de un rodaje, Truffaut, con sus coguionistas Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman, se pasean por delante pero principalmente por el detrás de las cámaras, con encuentros y desencuentros, pasiones, obsesiones, risas y obviamente lágrimas.
El elenco incluye, además del director de "Los 400 golpes", a Jacqueline Bisset, Jean-Pierre Leaud, Valentina Cortese, Alexandra Stewart, Jean-Pierre Aumont, Jean Champion y Nathalie Baye, entre más, todos acompañados por la exquisita partitura de Georges Delerue. (MUBI)
El espíritu de la colmena
El cine español trataba de sobrevivir a pesar de la inacabable dictadura franquista, y si bien se debatía entre lo pasatista y rutinario, algunos cineastas transgredieron los esquemas conservadores y desafiaron el corset ideológico con imaginación, y así ocurrió con el más que singular Víctor Erice.
Cuando solo pocos nombres superaban las fronteras ibéricas, como los del veterano Luis Buñuel o el joven Carlos Saura, una semana de cine español en el cine Metropolitan porteño dio la gran sorpresa al estrenar "El Espíritu de la Colmena", la ópera prima de un muy joven y desconocido natural de Carranza.
En la Segovia rural de la Guerra Civil en 1940, dos niñas descubrirán que detrás de la naturaleza, y de la cría de abejas para producir miel, también corre la vida y la muerte, incluso la caza de hombres a manos de hombres, tal como ocurre en "Frankenstein" ,con Boris Karloff, homenajeado en el relato.
Erice, que ahora tiene 82 años, es un director de pocos largometrajes (además de spots publicitarios) uno mejor que el otro, tal como lo revelan "El Sur", un film inconcluso que aún así es igualmente magistral, y el documental "El sol del membrillo", acerca del pintor y escultor hiperrealista Antonio López García.
Las dos niñas fueron Ana Torrent e Isabel Tellería, las niñas, Fernando Fernán Gómez y Teresa Gimpera danzan la singular melodía que les propone Erice con Angel Fernando Santos, la música de Luis de Pablo, y en especial la fotografía del maestro Luis Cuadrado. (MUBI)
Helmut Berger en "Ludwig", de Luchino Visconti.
La lista de 1973 es realmente vasta y otras de la partida merecen ser rescatadas de la forma que fuera, o porque se las ubica en la multiplicidad de plataformas o porque a alguno se le ocurrió subirla redes, y siempre hay que dejar constancia de que existen muchas otras de menor rango de nombres o éxito comercial, que igualmente merecería aparecer, pero esa es tarea de quienes prueben poner en el buscador esa fecha seguida de "estrenos de cine".
En materia de cine musical, la sobresaliente es sin lugar a dudas "Jesucristo Superstar", de Norman Jewison, que venía de un exitazo como "El violinista en el tejado" y que ahora enfrentaba el desafío de llevar al cine la obra que supo ser tan polémica -en todo el mundo, incluso en la Argentina- en su paso por las salas teatrales por reacciones de la ortodoxia católica respecto a la mirada que sus autores tuvieron nada menos que del Mesías.
En materia del que entonces se definía como "cine de karatecas" cuyo nacimiento tuvo lugar en oriente, ese año se estrenó "Operación Dragón", de Robert Clouse, un filme que marcó a fuego la historia del género y también la de su figura central, nacido en California pero hongkonés Bruce Lee, el actor pero también filósofo cultor de las artes marciales cuyo nombre se convirtió en un emblema, en especial para los jóvenes de entonces.
Otro título en este caso singularmente policial fue "Serpico", de Sidney Lumet, según el relato biográfico de Peter Mass acerca del policía de Nueva York empeñado en enfrentar a la corrupción instalada en su propia fuerza, un papel que le vino como anillo al dedo a Al Pacino, escondido detrás de su look fuera del cabello corto y barba rasurada, que le valió el odio de la institución pero también el aplauso del público y la crítica que lo premió con un Globo de Oro.
En materia de western, Sam Peckimpah sobresalió una vez más con "Pat Garret y Billy The Kid", protagonizada por James Coburn, Kris Kristofferson y Bob Dylan, que también hizo su aporte al soundtrack y cuyo tema centra tiempo después sería uno de los éxitos de Guns and Roses, la historia de de dos delincuentes, uno devenido sheriff, que se enfrentan al mejor estilo del director que ya registraba clásicos como "Perros de paja" y "La fuga".
En materia de ciencia ficción distópica, el cine hecho en Hollywood ofreció una de sus propuestas más aterrorizantes, "Cuando el destino nos alcance", en verdad "Soylent Green", según el relato original de Harry Harrison titulado "Hagan sitio! Hagan sitio!" publicado en 1966, que dirigió Richard Fleisher (hijo del animador Max Fleisher), cuya acción en 2022 muestra un mundo en la que el mundo superpoblado está dividido en los muchos que casi no comen y los ricos que acceden a carnes y verduras.
Al menos en Nueva York, ya con 40 millones de habitantes (ahora tiene solamente poco más de 8) el alimento para la mayoría es Soylent Green, mezcla de soja y lenteja, con algo de plancton, que sin embargo en verdad tiene otro contenido, porque el desastre ecológico impide que puedan obtenerse los alimentos de origen natural, una realidad que tiene que ver con unos centros destinados a la eutanasia de ancianos que proponen veintes minutos de placer antes de morir.en dorma inducida.
El capítulo final es para lo europeo, y en este caso una de las últimas obras de Luchino Viconti, "Ludwig", acerca de Luis II de Baviera, el monarca que unió a Alemania y fue mecenas de Wagner, quien murió en circunstancias poco claras, personajes que el autor de "Rocco y sus hermanos" o "Muerte en Venecia", retoma con su actor fetiche Helmut Berger, acompañado por Trevor Howard, Silvana Mangano, Romy Schneider y Helmut Griem, entre más.